Elementos básicos del lenguaje musical.
“No tengas miedo de las palabras teoría, armonía, polifonía, etc. Sé amigable con ellos y te sonreirán”.
(R.Schumann)
Los medios expresivos de la música son ricos y variados. Si un artista con dibujo y pintura, un escultor con madera o mármol, un escritor y un poeta recrean con palabras imágenes de la vida que les rodea, los compositores lo hacen con la ayuda de instrumentos musicales. A diferencia de los sonidos no musicales (ruidos, chirridos, crujidos). Los sonidos musicales tienen un tono preciso y una duración específica. Además, pueden tener diferentes colores, sonar fuerte o bajo y realizarse de forma rápida o lenta. Melodía, ritmo, modo y armonía, registro y timbre, dinámica y tempo: todos estos son medios expresivos del arte musical.
Melodía
El mundo de la música está lleno de hermosas melodías de Bach, Mozart, Grieg, Chopin, Tchaikovsky...
Ya sabes mucha música. Quedan en tu memoria. Si intentas recordarlos, probablemente tararearás la melodía. A. S. Pushkin siguió notablemente el trabajo de la memoria musical en la "pequeña tragedia" "Mozart y Salieri". Mozart exclama, dirigiéndose a Salieri:
¡Sí! Beaumarchais era tu amigo;
Tú le compusiste Tarara,
Algo glorioso. Hay un motivo...
Lo sigo repitiendo cuando estoy feliz...
La-la-la-la...
"Tarar" es una ópera del compositor italiano Antonio Salieri con libreto de Pierre Beaumarchais.
En primer lugar, Mozart recuerda el motivo: una partícula expresiva de melodía. Un motivo puede evocar una idea de toda la melodía y de su carácter. ¿Qué es una melodía? Melodía- un pensamiento musical desarrollado y completo, expresado de forma monofónica.
La palabra "melodía" proviene de dos palabras: melos - canción y oda - canto. En general, una melodía es algo que tú y yo podemos cantar. Aunque no lo recordemos todo, tarareamos algunos de sus motivos y frases. Después de todo, en el habla musical, como en el verbal, hay oraciones y frases.
Varios sonidos forman un motivo: una pequeña partícula de melodía. Varios motivos forman una frase y las frases forman oraciones. La melodía es el medio más importante de expresión musical. Es la base de cualquier obra, es el alma de una obra musical.
La vida de una melodía es como la vida de una flor. Una flor nace de un capullo, florece y finalmente se marchita. La vida de una flor es corta, pero la vida de una melodía es aún más corta. En poco tiempo logra emerger del motivo, “florecer” y terminar. Cada melodía tiene un “punto de floración”, el punto más alto de su desarrollo, la mayor intensidad de sentimientos. Se llama clímax. La melodía termina con una cadencia, un giro constante.
Si continuamos la comparación con una flor, debemos recordar que las flores florecen en diferentes momentos del día. Algunos abren sus copas para recibir los primeros rayos del sol, otros “despiertan” en una tarde calurosa y otros esperan hasta el anochecer para darle su fragancia al frescor de la noche.
Las melodías también “florecen” en diferentes momentos. Algunos comienzan desde arriba: el clímax. En otros, el clímax se sitúa en mitad de la melodía o hacia el final. Un ejemplo sorprendente de esto es la canción de E. Krylatov "Winged Swings" (letra de Yu. Entin) de la película "Las aventuras de la electrónica". Su melodía, que se desarrolla gradualmente, alcanza un clímax, acentuado por repeticiones sonoras de la nota más alta.
Es fácil ver que la estructura de la melodía es similar a la estructura del habla. Así como las frases se forman a partir de palabras y las oraciones se forman a partir de frases, en la melodía, pequeñas partículas expresivas (motivos) se combinan en frases. Una frase musical, por regla general, se forma a partir de dos o tres motivos. Su duración está determinada por la duración de la respiración del intérprete que canta o toca un instrumento de viento. (Al interpretar música con instrumentos de arco y de teclado, la influencia de la respiración en el tamaño de la frase no se nota, pero también se tiene en cuenta).
Por lo general, una frase se realiza con una sola respiración (exhalación). Varias frases conectadas por una línea común de desarrollo forman oraciones y las oraciones forman una melodía completa.
El clímax (del latín culminis - arriba) suele ubicarse en los compases 5-6 de un período de 8 compases o en los compases 12-13 de un período de 16 compases (es decir, en el tercer cuarto del período) y en estos casos recae en el llamado punto de la “sección áurea”. El significado de la "Sección Áurea" es la belleza de las proporciones estrictas, la proporcionalidad y el equilibrio armonioso de las partes y el todo. La “proporción áurea” se encuentra en la estructura del cuerpo humano, en la arquitectura y en la pintura. El principio de la "sección áurea" fue utilizado por el gran científico y artista italiano del siglo XV y principios del XVI, Leonardo da Vinci, aunque la doctrina de las proporciones se desarrolló y puso en práctica con éxito en la antigua Grecia.
La música folclórica es un tesoro inagotable de maravillosas melodías. Las mejores canciones de los pueblos del mundo se distinguen por su belleza y expresividad. Son diferentes. A veces parece que el canto no tiene fin. Un sonido se convierte en otro, la canción fluye en un flujo continuo. Acerca de tal melodía dicen: "la melodía de un gran aliento". También se le llama cantilena. Los compositores P. Tchaikovsky, S. Rachmaninov y otros se distinguieron por su capacidad para crear este tipo de melodías.
Escuche la canción popular rusa "Nightingale" interpretada por el Coro de Niños Grandes. Una amplia melodía fluye lenta y melodiosamente.
Pero sucede al revés. No hay sonidos prolongados en la melodía, se acerca más a una simple conversación, se pueden sentir los giros del habla humana en ella. Podemos encontrar melodías similares en las epopeyas. No en vano la gente dice que se cuentan epopeyas y a los intérpretes de las epopeyas se les llama narradores. Estas melodías se llaman recitado.
La palabra “recitativo” proviene del latín recitare, que significa lectura en voz alta, recitación. Recitativo: mitad cantando, mitad hablando.
Los compositores recurren especialmente al recitativo en la ópera, donde sirve como uno de los medios de caracterización musical de los personajes. Por ejemplo, en la pausada y majestuosa melodía del recitativo de Susanin, aparece la valiente imagen del héroe de la ópera de M. Glinka.
En las obras instrumentales, las melodías a veces difieren significativamente de las vocales, es decir, destinadas al canto. Para instrumentos musicales, puedes crear melodías con un rango muy amplio y grandes saltos. Se pueden encontrar maravillosas imágenes de melodías instrumentales en las obras para piano del gran compositor polaco F. Chopin. En su Nocturno en mi bemol mayor, la amplia melodía se combina con la complejidad del patrón melódico.
La inagotable riqueza melódica de la música clásica. Canciones de F. Schubert y romances de S. Rachmaninov, piezas para piano de F. Chopin y óperas de G. Verdi, obras de W. Mozart, M. Glinka y P. Tchaikovsky y muchos otros compositores se hicieron populares entre los oyentes gracias a su brillante , melodías expresivas.
Armonía
Este es uno de los principales medios de expresión. Agrega color a la música y, a veces, lleva la mayor parte de la carga semántica y emocional. Los acordes eufónicos crean armonía, dejando la impresión de armonía, belleza y plenitud. Y a veces juega un papel incluso más importante que la melodía. Escuche el famoso Preludio nº 20 de F. Chopin. Prácticamente no contiene ninguna melodía desarrollada. Es la armonía la que crea el ambiente general.
La progresión de acordes junto con la melodía se llama armonía.
Gracias a la armonía, se realza la expresividad de la melodía, se vuelve más brillante y rica en sonido. Los acordes, las consonancias y su secuencia constituyen la armonía, interactuando estrechamente con la melodía.
En la Polonesa en La mayor de Chopin, el potente sonido “orquestal” del piano se consigue gracias a acordes polifónicos que acompañan la melodía de un solemne personaje heroico.
Hay muchas piezas musicales que suenan ligeras y elegantes. Por ejemplo, bailar. Los acordes tocados simultáneamente aquí se sentirían demasiado pesados y torpes. Por lo tanto, en el acompañamiento de bailes, en el tiempo fuerte de los compases, el sonido más bajo del acorde (bajo) se escucha por separado, y luego sus otros sonidos suenan simultáneamente. Este tipo de presentación de la armonía se utiliza en el Vals en La bemol mayor de F. Schubert, que le da a la música ligereza y gracia del sonido.
En obras de carácter lírico melodioso, para lograr un sonido de armonía suave y “de cuerdas”, a menudo se utilizan acordes ordenados según los sonidos. En la sonata "Claro de luna" de L. Beethoven, este sonido del acompañamiento, combinado con el movimiento pausado de una melodía triste, da suavidad a la música y crea un ambiente sublimemente noble.
Las posibilidades para combinar acordes y armonías son infinitamente variadas. Sus cambios inesperados y abruptos crean la impresión de algo inusual y misterioso. Por tanto, cuando los compositores escriben música de cuento de hadas, la armonía se convierte en uno de los elementos más importantes del lenguaje musical. Por ejemplo, el milagro de la transformación mágica de los cisnes en doncellas rojas en la ópera "Sadko" de N. Rimsky-Korsakov se produce con la ayuda de un cambio colorido de acordes "mágicos".
Hay obras musicales en las que la armonía domina y determina el carácter y estado de ánimo de la pieza. Escuche el Preludio en do mayor del primer volumen de El clave bien temperado de J. Bach.
En el cambio suave y pausado de acordes, en la alternancia de tensiones y caídas, en el movimiento constante hacia un clímax solemne y en la posterior finalización, se forma una obra completa y armoniosa. Está imbuido de un estado de ánimo de paz sublime. Fascinados por el mágico juego de colores armónicos, no nos damos cuenta de que no hay melodía en este preludio. La armonía expresa plenamente el estado de ánimo de la pieza.
Ritmo
El ritmo es el organizador de los sonidos musicales en el tiempo. Ritmo Significa la relación entre las duraciones de los sonidos entre sí.. Sin ritmo, una pieza musical no puede existir, así como una persona no puede vivir sin el trabajo del corazón. En marchas, bailes y obras de teatro rápido, el ritmo organiza y ordena el movimiento, y de ello depende el carácter de la obra.
¿Puede una pieza musical ser expresiva sin melodía y armonía? La respuesta nos la da la obra original "Pánico" de S. Prokofiev a partir de la música de la obra "Noches egipcias". La acción se desarrolla en el palacio de la legendaria reina egipcia Cleopatra.
...Noche. El palacio está rodeado de enemigos: las tropas romanas. Los habitantes del palacio se enfrentan al cautiverio o la muerte. Enloquecida por el miedo, la gente sale corriendo de las remotas cámaras del palacio. Se apresuran hacia la salida entre la multitud. Y ahora los últimos pasos se congelan...
Al ilustrar este episodio, el compositor utiliza el enorme poder de la expresividad del ritmo. La singularidad de la música radica en el hecho de que se interpreta únicamente con instrumentos de percusión: tambores pequeños y grandes, timbales, tom-tom. La parte de cada instrumento tiene su propio patrón rítmico. En el clímax se forma un coágulo de energía rítmica de enorme fuerza y tensión.
Poco a poco, la tensión se disipa: el tam-tam se calla, luego los timbales, la caja y el bombo también callan... Así, utilizando escasos medios musicales, Prokofiev creó una pieza brillante en la que el ritmo juega el papel principal. .
El papel expresivo del ritmo se manifiesta especialmente claramente en la famosa pieza orquestal "Bolero" del compositor francés M. Ravel. La fórmula rítmica constante de la danza española se mantiene a lo largo de toda la obra (está escrita en forma de 12 variaciones). “Iron Rhythm” parece mantener en vicio la melodiosa melodía y poco a poco aumenta la tremenda tensión en el desarrollo de la comedida y apasionada danza española. La “fórmula” rítmica del bolero la interpreta el solo del baterista.
Recordemos que en la música bueno Significa la consistencia de sonidos de diferentes tonos.. Estos sonidos se unen en torno al sonido principal: tónicos. En la música europea, los modos más comunes son importante Y menor. La mayoría de las piezas que tocas y que se analizan en nuestro libro también están escritas en estos dos modos. ¿El carácter de la música depende en gran medida del modo? Escuchemos la obra de G. Sviridov “Primavera y otoño”.
El compositor utilizó sonidos para pintar el mismo paisaje en diferentes épocas del año. En la primera parte, acordes ligeros y transparentes y una frágil línea melódica recrean el paisaje primaveral. Al escuchar música, imaginamos los delicados colores de la vegetación que cubren los árboles, los ligeros aromas de los jardines en flor y las sonoras voces de los pájaros. La pieza suena en escala mayor, alegre y ligera.
Pero el humor cambió, el ritmo disminuyó. Los colores del paisaje familiar se han desvanecido. Es como si vieras las siluetas negras de árboles desnudos a través de la red gris de lluvia. Era como si la luz del sol hubiera desaparecido de la música. Los colores primaverales del modo mayor se desvanecieron y fueron reemplazados por el modo menor. En la melodía, las entonaciones de disonancias y tritonos se hicieron claramente visibles. El tempo lento realzó la expresividad de los tristes acordes menores.
Escuchando la segunda parte de la obra, podemos notar fácilmente que es sólo una variante de la primera. Pero cambiar la escala crea la impresión de que se está interpretando una nueva pieza, opuesta en carácter y estado de ánimo a la primera.
Paso
Eso sí, sabes muy bien que esta palabra significa velocidad de movimiento. Es cierto que este término no proviene de la palabra velocidad, sino de la palabra tiempo (latín tempus). Tanto el carácter como el estado de ánimo de la obra dependen del tempo. Una canción de cuna no se puede interpretar a un ritmo rápido y un galope no se puede interpretar a un ritmo lento.
Recordemos los tempos musicales básicos. Suelen estar designados en italiano.
Largo (largo) - muy lento y ancho.
Adagio (adagio) - lenta y tranquilamente.
Andante(andante) - al ritmo de un paso tranquilo.
Allegro (allegro) - rápidamente.
Presto (presto) - muy rápido.
A menudo se encuentran variedades de estos tempos:
Moderato (moderado) - moderado, comedido.
Allegretto (allegretto) - bastante animado.
Vivace (vivache) - animado.
Escuche un fragmento del tema principal de la famosa Fantasía en re menor del gran W. Mozart. Escuche qué bien se elige la textura suave y pulsante del acompañamiento para esta delicada y frágil melodía.
Y el siguiente ejemplo también proviene de la música de W. Mozart: el final más popular de su sonata para piano, también conocida como la Marcha Turca o el Rondo Turco. Música incendiaria, completamente diferente. Aquí W. Mozart no está triste, no sueña, sino que está contagiosamente alegre.
Anteriormente, los tempos en la música estaban determinados aproximadamente por el estado de ánimo. Pero a veces los compositores querían indicar el tempo con mucha precisión. A principios del siglo XIX, el mecánico alemán I. Mölzel inventó un metrónomo específicamente para este fin. La velocidad deseada se puede encontrar fácilmente utilizando el metrónomo.
Dinámica
Igualmente importante es la dinámica de la interpretación, es decir, la fuerza del sonido. Seguramente habrás notado que durante la actuación los músicos tocan en voz alta o en voz baja. Esto no sucede porque el músico así lo quiera. Esto es lo que pretendía el compositor y señaló con qué matices dinámicos podría revelar su idea.
Hay dos tonos dinámicos principales y usted los conoce muy bien: forte - ruidoso y piano - silencioso. En las partituras se escriben con letras italianas: F y P.
A veces estos tonos se intensifican. Por ejemplo, muy ruidoso - FF (fortissimo) o muy silencioso - PP (pianissimo). A menudo, durante el transcurso de una pieza, la fuerza del sonido cambia más de una vez. Recordemos la obra de P. Tchaikovsky "Baba Yaga". La música comienza apenas audible, luego su sonoridad aumenta hasta llegar a un volumen muy alto y poco a poco se va apagando. Fue como si la estupa con Baba Yaga apareciera desde lejos, pasara a nuestro lado y desapareciera en la distancia.
Así es como los tonos dinámicos pueden ayudar a un compositor a crear una imagen musical vibrante.
Timbre
La misma melodía se puede tocar en el piano, el violín, la flauta y la guitarra. O puedes cantar. E incluso si lo tocas en todos estos instrumentos en la misma tonalidad, al mismo tempo, con los mismos matices y golpes, el sonido seguirá siendo diferente. ¿Qué? El color mismo del sonido, su timbre. Esta palabra proviene del francés timbre, que significa campana, y también marca, es decir, signo distintivo.
Timbre- una coloración especial del sonido, característica de cada voz e instrumento. Por este color distinguimos diferentes voces e instrumentos entre sí.
Escuche una canción popular rusa interpretada por el coro Im. Pyatnitsky "Camino con una locha".
La variedad de voces cantadas se nota especialmente en la ópera, donde para cada personaje el compositor selecciona el timbre de voz que mejor se adapta a su personaje. En la ópera de N. Rimsky-Korsakov "El cuento del zar Saltan", el papel de la princesa Swan fue escrito para soprano y el papel de Babarikha, la casamentera, para mezzosoprano. El intérprete del papel de Tsarevich Guidon es el tenor y el zar Saltan es el bajo.
Registro
Pasee por todo el teclado del piano. Escuche en qué se diferencian los sonidos más graves de los más agudos.
Cuando recién comenzaste a familiarizarte con el instrumento, probablemente te dijeron que debajo "un oso yace en una guarida" y arriba "los pájaros cantan". Pero los sonidos más melódicos son aquellas teclas que están en el medio. Se utilizan con mayor frecuencia en la música. Y no porque sean más cómodos de alcanzar, sino porque son más ricos que otros en cuanto a expresividad musical se refiere. Pero si necesitamos, por ejemplo, representar una tormenta, ¿cómo podemos prescindir de los truenos en el bajo y de los brillantes zigzags de los relámpagos en el registro del "pájaro"?
¿Qué representa una fila de teclas de piano? Una serie de sonidos. Y en resumen: escala. Esto significa que el registro forma parte de la escala. Esto es correcto, pero no nos dice nada sobre los registros en sí, ni sobre su carácter ni sobre sus características.
Aquí, por ejemplo, está el registro medio. Aquel en el que cantamos y hablamos. Nuestro oído está mejor sintonizado con la onda "conversacional". Y además, lo sepas o no, escuchamos música no solo con los oídos, sino también con las cuerdas vocales. Cuando escuchamos una melodía, nuestras cuerdas la cantan en silencio, lo queramos o no. Por lo tanto, cuando los ligamentos de un cantante se enferman, no sólo no se le permite cantar él mismo, sino también escuchar a otros cantantes.
Esto sugiere una conclusión: aquellos que cantan mejor y más claramente escuchan mejor la música y disfrutan más de ella. No es casualidad que R. Schumann, a quien ya conoces, escribiera en sus “Reglas para jóvenes músicos”: “Canta con diligencia en el coro”.
El registro medio es el más familiar para nosotros. Y cuando escuchamos música escrita en este registro, no prestamos atención al registro en sí, sino a otros detalles: melodía, armonía y otros detalles expresivos.
Y los registros inferior y superior destacan marcadamente por su especial expresividad registral. La minúscula se asemeja a una “lupa”. Hace que las imágenes musicales sean más grandes, más importantes, más significativas. Puede dar miedo. Y decir: “Shh, es un secreto”.
La obra de E. Grieg "En la cueva del rey de la montaña" comienza de manera misteriosa e inusual. Y aquí está el tema aterrador del formidable rey Shahriar de la suite sinfónica “Scheherazade” de N. Rimsky-Korsakov.
El registro superior, por el contrario, parece “reducir” lo que en él se escucha. En el “Álbum infantil” de P. Tchaikovsky se encuentra la “Marcha de los soldados de madera”. Todo en él es como una verdadera marcha militar, pero pequeña, "parecida a un juguete".
Ahora podemos decir que registro- esta es una parte de una escala que tiene un color de sonido determinado. Hay tres registros: superior, medio e inferior.
Escuchamos ejemplos escritos en el mismo registro. Pero hay poca música así. A menudo los compositores utilizan todos los registros a la vez. Como, por ejemplo, E. Grieg en la pieza para piano Nocturne. "Nocturno" significa "noche". En Noruega, la patria de E. Grieg, en verano las noches son las mismas que en San Petersburgo. La música del Nocturno de E. Grieg es colorida y pintoresca. Las pinturas de registro juegan un papel importante en esta pintura sonora.
Presentación
Incluido:
1. Presentación - 30 diapositivas, ppsx;
2. Sonidos de la música:
Llevar una vida de soltero. Preludio en do menor (en clavecín español) Beethoven. Sonata “Moonlight”, parte I - Adagio sostenuto (fragmento), mp3;
Glinka. Recitativo de Susanin “Ellos huelen la verdad” de la ópera “La vida para el zar”, mp3;
Griego. “En la Cueva del Rey de la Montaña” de la suite “Peer Gynt” (fragmento), mp3;
Griego. Nocturno de “Lyric Suite” (fragmento), mp3;
Mozart. Rondo en estilo turco (fragmento), mp3;
Mozart. Fantasía en re menor (fragmento), mp3;
Prokófiev. “Panic”, de la música de la obra “Egyptian Nights”, mp3;
Enmarañar. “Bolero” (fragmento), mp3;
Rimski-Korsakov. “El milagro de convertir a los cisnes en doncellas rojas” de la ópera “Sadko”, mp3;
Rimski-Korsakov. Tema de Shahriar de la suite sinfónica "Scheherazade", mp3;
Sviridov. "Primavera y Otoño", mp3;
Chaikovski. “Baba Yaga” del “Álbum infantil”, mp3;
Chaikovski. “Marcha de los soldados de madera” del “Álbum infantil”, mp3;
Chopín. Nocturno en mi bemol mayor, op. 9 No. 2 (fragmento), mp3;
Chopín. Polonesa en la mayor, op. 40 No. 1 (fragmento), mp3;
Chopín. Preludio en do menor, op. 28 N° 20, mp3;
Schubert. Vals en la bemol mayor, mp3;
“Camino Con Lochas”, mp3;
“El Ruiseñor” (en español BDH), mp3;
3. Artículo adjunto: notas de la lección, docx.
La sintaxis musical define las reglas para dividir la música en varias unidades que tienen significado musical.
Un motivo en el sistema de sintaxis musical es la unidad más pequeña, cuya división es imposible sin perder el significado musical. En la teoría métrica de Riemann (el teórico que propuso una teoría conservadora de la división métrica de la música), un motivo suele ser igual a un compás y, por definición, debe contener un tiempo fuerte.
Sin embargo, el motivo está asociado no sólo a la métrica, sino también a otros elementos del lenguaje musical, sin los cuales no puede existir.
Pero empecemos desde el principio.
La teoría del motivo aún no ha cumplido 200 años, lo que es un período bastante corto para la teoría musical. La definición de motivo fue introducida por primera vez por A. B. Marx en 1839, como un término que denota la unidad estructural más pequeña.
Desde entonces comenzaron a aparecer una variedad de escuelas y puntos de vista sobre la sintaxis musical.
No cabe duda de que la teoría métrica es muy clara desde el punto de vista del aprendizaje, la improvisación, la interpretación, etc.
(Permítanme recordarles que esta teoría se basa en el hecho de que toda música consta de elementos constitutivos ordenados por la cuadrícula métrica de una obra determinada. Por ejemplo, un motivo es igual a 1 compás, una frase es igual a 1 + 1 dos medidas, frase 4). Sin embargo, desde el punto de vista de la expresividad musical, tal sistema no aporta nada, ya que implica una sustitución de conceptos. aunque es la base de cualquier melodía, todavía no puede reemplazarla.
Por lo tanto, para una comprensión más musical de la sintaxis (a la que todo músico realmente necesita llegar), es necesario introducir el concepto.
La teoría de la entonación apareció mucho más tarde que la teoría del motivo y durante mucho tiempo fue percibida como su opuesto. La razón aquí es que el objetivo de estas dos teorías era inicialmente diferente, pero en principio consideraban lo mismo: la unidad musical más pequeña.
Sin embargo, con el tiempo, estos conceptos comenzaron a utilizarse en el mismo contexto, incluso hasta el punto de utilizarlos como sinónimos.
Veamos las diferencias y similitudes entre estas teorías.
La entonación es la organización aguda de los sonidos musicales en su secuencia, es decir. el sonido de cada tono de la escala en altura, volumen y timbre.
La entonación es esa parte de la música que está presente en todas partes, pero que es difícil de estudiar y clasificar.
Sin embargo, existen conceptos fundamentales que todo músico necesita conocer.
Entonación musicalÉsta es la esencia del pensamiento musical y muy a menudo la entonación se expresa más plenamente en el motivo. Así, podemos ver la conexión entre motivo y entonación. Por ejemplo, en el tema Satin Doll, la entonación y el motivo son casi inseparables:
Vea cómo todo el tema surge de un motivo y esta entonación. (El motivo principal está indicado por la letra A, dondequiera que aparezca y su variación B es el mismo motivo sólo que con un aumento incompleto)
Como puede ver, incluso en este tema el motivo es igual al ritmo, pero la organización en sí no se basa en la métrica, sino en la entonación. Tenga en cuenta que el tema A tiene una duración de 7 compases (se añaden 8 sólo por conveniencia, sólo porque es costumbre y, de hecho, no tiene sentido musical). Y en la parte B la frase es de 3 compases. Por tanto, no es aconsejable medir este tipo de estructuras sintácticas utilizando un metro.
2. Cualquier estructura musical tiene tres fases: esta es la famosa tríada i-m de Asafiev, que significa impulso, movimiento y finalización.
Estas tres fases se realizan en todos los niveles de una obra musical, desde el motivo hasta la forma completa.
Cada una de estas tres fases contrasta con la siguiente o la anterior.
Por ejemplo, en el primer compás de Satin Doll, la primera entonación de dos notas da un impulso que se desarrolla en un movimiento que se manifiesta en repetición y luego en ritmo creciente y finalizando en una nota larga.
En base a esto, la construcción musical debe distinguirse por la entonación. Este enfoque le permite determinar con mayor precisión los límites de motivos y frases. Al mismo tiempo, la teoría del metro no siempre nos permite resaltar construcciones pequeñas, ya que su implementación puede (y con mayor frecuencia) no basarse en la cuadrícula métrica.
Uno de los elementos importantes que determina la individualidad del motivo y la entonación es el sonido de referencia.
En esencia, el sonido de referencia es la semilla de la que crece el motivo. En su mayor parte, cualquier pieza musical se puede reducir a un nivel simple de contraste melódico, es decir, tono de referencia - tono de no referencia.
No existe una tercera opción.
Resaltemos las principales formas de resaltar el tono de referencia:
Rítmicamente: enfatizar un sonido usando una duración más larga. El método más simple y, aparentemente, más antiguo para aislar un tono de referencia.
Tessiturno: el sonido más alto o más bajo de una línea melódica siempre es grabado por el oído como sonido de referencia.
Métodos melódicos lineales para centrar el sonido: estos incluyen
a) Cantar
b) movimiento hacia y desde el sonido de referencia
c) melismática y ornamentación (típica de culturas monódicas e improvisación étnica)
4. Cadancing es un conjunto de técnicas para resaltar el sonido como final.
5. Regularidad métrica de los acentos.
6. Cambio de funciones armónicas.
7. Técnicas dinámicas
8. Ayudas de articulación
Las técnicas 5 a 8 se relacionan con la música tonal. Los primeros cuatro métodos se utilizan ampliamente en modal.
Implementación del principio de sonidos de referencia en la introducción a la canción Siempre estaré contigo:
Por ejemplo, en algunos estilos de jazz, solo los pasos cromáticos serán tonos que no sean acordes (cuyo número puede ser completamente diferente para diferentes estilos). Y en la música rock, los pasos 7, 9 y similares se considerarán sin acordes.
Aquellos. Los niveles de cromatización melódica en estos estilos serán diferentes.
Lo mismo se aplica a los intervalos. La suavidad y la melodía de la melodía (y por tanto el motivo) están determinadas por su cercanía a la música vocal. El uso de una gran cantidad de segundos y tercios, la ausencia de saltos, crea un cierto sonido, dentro del cual cualquier intervalo amplio se percibirá como un punto brillante de color en una paleta de blanco y negro. Muchos éxitos del pop se basan en el segundo movimiento:
No quedan lágrimas para llorar Ariana Grande
El uso de intervalos amplios (desde quintas en adelante) le permite crear melodías más individualizadas pero angulares. En el transcurso de tales intervalos, los segundos no se percibirán como un elemento inesperado, sino como una entonación conectora. Wayne Shorter utilizó a menudo esta técnica:
Como puede ver, incluso al nivel de una estructura tan pequeña como motivo, hay un gran campo de actividad.
LECCIÓN ABIERTA
en la sección de la asociación metodológica zonal Navlinsky
profesor MBOU DO Lokotskaya Escuela Infantil
Aleksashkina Natalia Viktorovna
con estudiante de tercer grado Ilya Barykin (acordeón)
sobre el tema:
“Trabajar conceptos musicales: motivo, frase, oración”
Sujeto: Trabajar conceptos musicales motivo, frase, oración.
Evento: Escuela de arte infantil MBOU DO Lokot
Duración de la lección abierta : 45 minutos
Propósito de la lección : Desarrollo y mejora de las habilidades creativas y escénicas del estudiante.
Objetivos de la lección:
Educativo:
- generalizar y profundizar el conocimiento del estudiante, desarrollar la habilidad de movimiento vertical del tercer dedo a lo largo de la segunda fila del teclado izquierdo.
Educativo:
Desarrollo del gusto estético;
Desarrollo del pensamiento imaginativo;
Desarrollo musical-interpretativo y ideológico-artístico.
Educativo :
Cultivar la atención, la determinación y la perseverancia en el dominio de las técnicas y habilidades de tocar el instrumento;
Capacidad para analizar su desempeño.
Tipo de lección: conjunto.
Formato de lección: individual.
Métodos de enseñanza: visual, práctica, verbal, comparativa, escucha de obras musicales.
Tecnologías pedagógicas:
- innovador;
Aprendizaje orientado personalmente;
Individualización de la formación;
Ahorro de salud.
Equipo de lección:
Equipo: partituras, sillas, control remoto, acordeones de 2 botones, computadora portátil, proyector.
Literatura utilizada:
- “Canciones populares” compiladas por D. Samoilov, ed. Moscú “Kifara” 1998
- “Sonatinas y Variaciones”, compilado por D. Samoilov, ed. Moscú “Kifara” 1997
PROGRESO DE LA LECCIÓN.
Momento organizacional . Presentación del alumno y el abanico de tareas a las que se enfrenta.
Estado de ánimo emocional y psicológico. Presentación del tema de la lección - "Trabajar conceptos musicales: motivo, frase, oración".
Parte principal:
Discurso introductorio del profesor: “ Hoy nuestra lección está dedicada atrabajando en conceptos musicales motivo, frase, oración.”
Pero antes de comenzar nuestra lección, juguemos un poco como de costumbre.
Juego de ejercicios posicionales. Preste atención al asiento del alumno, a la posición de los brazos, piernas y al posicionamiento del instrumento.
Arpegios, acordes en escala de do mayor (dos manos).
El profesor pregunta al alumno sobre los conocimientos teóricos de conceptos tales como: motivo, frase, oración.
Respuesta del estudiante.
Ahora apliquemos sus conocimientos a la vista leyendo la obra “Ah, la calle, la calle es ancha” de RNP.
Mire el vídeo “Ah Street, Wide Street” interpretado por el coro infantil “Rodnichok”.
Lectura a primera vista de canciones sencillas (encontrar e identificar un motivo musical, frase, oración)
Introducción a una nueva pieza de música folklórica "Ay la calle, la calle es ancha "(canción popular rusa)
Ay la calle, la calle es ancha,
Hierba de hormiga verde
Ay, lyuli, lyuli, lyuli,
Hierba de hormiga verde
El profesor revela el concepto: "¿Qué es la canción popular rusa?"
La canción popular rusa es una canción cuya letra y música se desarrollaron históricamente durante el desarrollo de la cultura rusa. Una canción popular no tiene un autor específico o se desconoce el autor.
El maestro toca la melodía de la canción con la mano derecha y canta al mismo tiempo.
El profesor y el alumno cantan juntos al son de la melodía del instrumento.
El estudiante canta y simultáneamente palmea el patrón rítmico.
El profesor toca una canción junto con el alumno, determinando el lugar de cambio de fuelle, inhalando entre frases.
Lectura a primera vista de una obra determinada (encontrar e identificar un motivo musical, frase, oración)
El alumno toca la pieza varias veces, con diferentes opciones de interpretación: tocar y cantar simultáneamente la melodía con letra, tocar la melodía sin letra.
trabajando en una pieza"Sonatina" Daniel Steibelt - Pianista, director y compositor alemán, ganó popularidad como virtuoso y profesor.
Desafortunadamente, muchos músicos jóvenes se confunden cuando se les pide que nombren lo que tocan. No, dicen que esto es, dicen, un estudio, una sonata o una obra de teatro. Pero algunos compositores escriben sonatas, estudios y obras de teatro, y estas sonatas, estudios y obras de teatro a veces tienen títulos. Y el título nos dice, como músicos, qué tipo de música se esconde detrás de la partitura. sonata -una pieza musical para uno o dos instrumentos, que consta de varias partes de diferente carácter y tempo, unidas por un concepto artístico común.
Mientras hojeas las notas, también puedes comprobar si hay repeticiones en la pieza (los gráficos musicales son similares a los del principio). Como regla general, en la mayoría de las jugadas hay repeticiones, aunque no siempre se nota de inmediato. (Si sabemos que hay una repetición en la obra, entonces nuestra vida se vuelve más fácil y nuestro estado de ánimo mejora notablemente). PRESENTACIÓN
Aquí te dejamos tres cosas básicas que siempre debes hacer: fijarte en las claves; determinar la tonalidad mediante signos clave; Mira el tempo y el compás.
Así que jugamos lo mejor que podemos, directamente desde la sábana con ambas manos. Lo principal es llegar al final sin perderse nada. Que haya errores, pausas, repeticiones y otros tirones, nuestro objetivo es simplemente tocar todas las notas.
melodía + acompañamiento (no hace falta decirlo, la melodía la aprendemos por separado, sea cual sea el acompañamiento, también lo miramos por separado). Nunca dejes de jugar con manos individuales.
La melodía debe tocarse expresivamente (trabajar en el fraseo en la primera parte). Es importante tocar la melodía no como un conjunto de sonidos, sino como una melodía, es decir, como una secuencia de frases significativas. Mire si hay ligas de frases en el texto; a partir de ellas, a menudo podemos encontrar el principio y el final de una frase. Se podría decir mucho más aquí, pero nosotros mismos sabemos muy bien que las frases en la música son como personas hablando. Pregunta y respuesta, pregunta y repetición de una pregunta, una pregunta sin respuesta, la historia de una persona, exhortaciones y justificaciones, un breve "no" y un largo "sí": todo esto se encuentra en muchas obras musicales ( si tienen melodía). Nuestra tarea es desentrañar lo que el compositor puso en el texto musical de su obra.
Trabajo en la 2da parte de “Sonatina”
Escuchemos la misma pieza, pero interpretada por un joven pianista.
El estudiante debe determinar qué instrumento suena y hacer un análisis comparativo entre su interpretación y la pieza que suena.
Y al final de la lección, consolidemos contigo qué es un motivo, frase, oración.
Respuesta del estudiante.
Debería sonar:
Motivo - el elemento más pequeño de la estructura musical, la unidad rítmica de melodía más simple, que consta de una breve secuencia de sonidos, unidos por un acento lógico y que tiene un significado expresivo independiente. En el sentido común: una melodía, una melodía.
Frase - una combinación de varios motivos, disecados por pausas, cesuras o indivisos, fusionados.
Oferta - una combinación de dos frases y, a su vez, la frase consta de dos motivos.
Resumiendo. Análisis.
Evaluación del trabajo en la lección.
Tarea.
Sintaxis musical. Tipos de periodos. teoría musical
La sintaxis musical estudia la estructura del habla musical.. Una pieza musical se divide en regiones, llamado construcciones. El límite entre las construcciones es cesura. Signos de cesura son 1) pausa, 2) parada rítmica(larga duración), 3) repetir, 4) contraste.
Estructura musical que contiene un pensamiento musical completo, llamado período. La integridad del pensamiento musical está determinada por las características modales y metro-rítmicas. Las partes más grandes para las cuales el periodo se divide, se llaman propuestas. Las ofertas se dividen en frases, frases - en motivos. Motivo- esta es la unidad estructural semántica más pequeña.
Combinaciones de frases en forma de punto. estructuras temáticas a gran escala
1. Periodicidad- se forma combinando frases del mismo tamaño (2t+2t+2t+2t). Chopin Waltz No. 9 (La bemol mayor)
2. Suma- se forma a partir de una combinación de 2 o varias frases cortas y una larga. Grieg "La muerte de Ose" de la Suite de Peer Gynt (1+1+2)
3. Aplastante- se forma a partir de una combinación de una frase más larga y 2 o más cortas. Chaikovski. Vals del Álbum Infantil (4+2+2).
4. Aplastamiento con cierre. Griego. Cuadro poético nº 1. Una combinación de una frase larga, varias cortas y nuevamente una larga. (4+1+1+2).
tipos de periodos. Toda la variedad de períodos se puede dividir según los siguientes criterios:
I. Estructura. Según la estructura, hay períodos.
1. Cuadrado- a) el número total de compases es 8,16,32, etc. b) el período se divide en 2 frases de igual tamaño. Beethoven Sonata nº 8, II movimiento.
2. No cuadrado
- extendido(La segunda frase es más larga que la primera) Beethoven Sonata No. 3, II movimiento (4+6)
- abreviado(Segunda frase menos que la primera) Sonata n.º 7 de Beethoven (5+4)
- simétrico(dividido en 2 frases idénticas, pero el número de compases no corresponde a la norma de cuadratura (6+6, 7+7, etc.) Canción rusa de Tchaikovsky del Álbum infantil. (6+6)
3. Periodos de 3 frases.. Preludio de Chopin n.° 9, mi mayor.(4+4+4)
II. Tematicismo.
1. Periodo de repetición. La repetición puede ser exacta (Shumann the Bold Rider) o modificada.
Una repetición modificada puede ser variada o secuencial.
Con repeticiones variadas, los elementos individuales del tema cambian: ritmo, modo, textura de presentación, melodía (lado de la entonación), pero el tema en su conjunto es reconocible. Haydn. Sonata en re mayor, I movimiento, GP, Mozart Sonata n.° 12 en fa mayor, II movimiento.
El punto se considera repetido incluso si la segunda frase reproduce sólo la entonación inicial de la primera.
Con la repetición secuencial, el tema se lleva a cabo a diferente altura sin ningún cambio especial. Concierto de Grieg en la menor, II movimiento.
2. Periodo de no repetición- las oraciones contienen material temático diferente, la mayoría de las veces la segunda oración continúa el tema de la primera. Beethoven "Sonata Patética", II movimiento.
Todo el período se puede repetir sin cambios (registrado con un signo de repetición) o con algunos cambios de textura. Este período se llama repetido.
III. Diseño tonal.
1. Periodo modulante- termina en un tono diferente al del principio (Vals de Tchaikovsky del Álbum para niños)
2. No modulante Período (de un tono): termina en la clave inicial.
Un punto puede tener una introducción o una adición.(previa aprobación final) que no afecten su estructura.
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Literatura.
I.V.Sposobin. Forma musical.
Forma musical. Ed. Yu.N.
El discurso musical, al igual que el oral, está dividido.
Límite de división - cesura.
Un signo de cesura puede ser un sonido largo,
repetición rítmica o melódica
La unidad sintáctica más pequeña esmotivo . Motivo – dos, tres sonidos con una percusión. (El motivo es como una palabra)
submotivo,- un sonido de impacto. A veces se les revela un tema musical. (Beth., sueño n.° 5, 8.)
Un motivo es una unidad sintáctica; su contenido musical y semántico - entonación.
Analogía con el motivo en la poesía. pie.
Estructura métrica de un pie de dos sílabas (motivo):
troquea yámbica
- > > -
(zatak) (de un ritmo fuerte)
entonación entonación
afirmación, humildad, paz,
llamada, tristeza,
pies trisilábicos
(motivos): anapest dactilo amphibrachium
- - > > - - - > -
(termina en tiempo fuerte) (termina en tiempo débil)
Frase – estructura sintáctica (1 – 2 compases), incluyendo varios motivos.
En la dramaturgia musical, las proporciones de frases de una determinada longitud (medidas en compases) son de gran importancia. Estos son los llamados estructuras temáticas a gran escala. Hay 4 de ellos (ver página 33 sobre esto).
Oferta - música construcción (2 – 4 o más compases), limitada por la cadencia (cesura armónica).
Las cadencias se clasifican según tres criterios.
Según el contenido armónico(hazaña. D, o S ) :
auténtico,- T – D – T, T – D, D – T;
plagal,- T - S – T;
Según el lugar en la forma (en la estructura musical):
medio,
final,
interrumpido(reemplazo del tónico esperado. Un ejemplo típico es D7-VI; a veces K-D2-T6; K-D7-D7 → S (la llamada cadencia operística), etc.)
adicional(normalmente plagal, que se introduce tras la cadencia final);
entrometerse(cuando la tónica final se convierte en el primer acorde de una nueva formación);
Según el grado de estabilidad.:
medio(parada en inestable, - semiplagal - T-S; semiauténtico (típico del período normativo) - T-D);
lleno cadencia (parada en tónica);
difícil(incluye acordes S, D y T);
perfecto cadencia (esta es la cadencia final y compleja con T y D (D7) en el modo fundamental, con T en un tiempo fuerte o relativamente fuerte y en la posición melódica de la prima)
Las cadencias tienen una semántica vívida. Al caracterizarlos, son posibles los paralelos con los signos de puntuación (que tienen una relación orgánica con las cesuras en la música);
Característica auténtico Yplagal Las cadencias se dan en el tema “Introducción a la armonía” (p. 58). ACERCA DEperfecto medio y final cadencia y analogías con signos de puntuación, ver más abajo, p. 48. ACERCA DEcadencias imperfectas en la miniatura coral de Ts. Cui “Todo se durmió” con la tónica final en la posición melódica de tercera (analogía con puntos suspensivos) y quinta (como un signo de exclamación) se menciona en la sección “etapas del modo”, pag. 9. Cadencia interrumpida - esto es, por así decirlo, una negativa inesperada a completar la narración, el hecho de la necesidad de repetir el movimiento final. Una cadencia interrumpida a menudo se percibe como un momento bienvenido, que brinda la oportunidad de extender el tiempo de la reunión. (Chopin. Pr. 4 e moll, 6 h moll). Cadencias adicionales en la música lírica se puede comparar con la ceremonia de completar una carta, cuando las palabras de despedida se alternan con conmovedores, deseos sinceros de felicidad, salud y quizás declaraciones de amor, esperanzas de un pronto encuentro deseado, etc. Hay cadencias similares en muchas de las obras líricas de Tchaikovsky. Cadencia invasora – un medio eficaz para activar el desarrollo, superar la cesura y las secciones cerradas. Una analogía en poesía puede ser la llamada “transferencia”, cuando la cesura sintáctica del texto (punto) no coincide con el verso (es decir, con el final del verso, que es lo más natural en poesía) sino que termina en en medio de la línea, rompiendo, “explotando” el “aliento” medido del verso. De Pushkin:
El ganso tiene pesadas patas rojas,
Habiendo decidido navegar por el seno de las aguas,
Camina con cuidado sobre el hielo,
Resbalones y caídas; divertido,
La primera nieve destella y se riza,
Estrellas cayendo en la orilla.
El punto en el medio de la línea (en este caso, punto y coma) enfatiza el contraste de dos esferas emocionales: ganso - nieve, pesado - alegre, deslizamiento y caída - parpadeante, rizado. Aquí se presenta en extrema yuxtaposición y adquiere un carácter visible y explosivo.
Período –– construcción musical, que generalmente consta de dos oraciones en una relación de pregunta-respuesta(como si fuera una oración subordinada compleja con la principal en primer lugar, la cláusula subordinada en segundo lugar). En la música clásica del siglo XVIII. período – la estructura sintáctica más típica de la presentación de un tema musical.
Periodo – estructura; su contenido musical y figurativo - música tema.
Sujeto - una estructura musical que está diseñada estructuralmente, figurativamente individualizada y que se encuentra en la base de la música. obras.
Los medios de expresión que determinan el contenido figurativo individual del tema se denominanmaterial temático .
El conjunto de temas y materiales temáticos de una obra se denominatemático obras.
Normal (normativo) expositivo período consta de dos oraciones, es cuadrado (oraciones en medidas que son múltiplos de dos: 4 + 4, 8 + 8, con menos frecuencia 2 + 2, 16 + 16), con una cadencia media semiauténtica (que asegura en gran medida su pregunta dramaturgia (y-respuesta) y con plena cadencia final. Puede ser monótono o modulante, de estructura repetida (cuando la segunda frase repite el comienzo de la primera) o no repetitiva.
Yo frase II frase
pregunta respuesta
promedio cadencia de cierre cadencia
, ; : .
DTAnalogía con signos de prefijo.
El conocimiento de Hugo Riemann:
(coma) (punto y coma) (dos puntos) (punto)
Clímax típico
de acuerdo con la ley clímax
sección de loto: entero relativo
se esfuerza por más, como más
a menos (coeficiente 0,618):
Variedades de periodos.
Período no estándar, - si no es cuadrado, ni dos frases (por ejemplo, tres), diferente cadencia media, cierre incompleto. cadencia (período abierto), período acortado(por ejemplo, 7 + 7), período extendido. Extensión máx. característica en la segunda oración (clímax). debido a un desarrollo más activo (por ejemplo, secuencial, cadencia interrumpida, etc.).
Encontrarse periodos con suma. La adición es una revolución de cadencia (1-2t) después de la cadencia final.
A veces, la suma crece significativamente y se convierte en una oración independiente (a veces dos o más), formando período difícil(La definición de Tyulin).
En Sposobin y Mazel otra definición: período difícil - uno donde cada oración puede considerarse como un período independiente .
Nota, Beth., sueño número 5,I, tema de médico de cabecera.
Doble período, - repetido dos veces variado . Nota, Beth., Sueño. No. 8,II.
La sintáctica más típica. estructura de la presentación del tema es
período.
Aclaremos que el período es una estructura típica del tema homofónico del estilo clásico. Pero para una canción popular, por ejemplo, el período dista mucho de ser la norma.
La estructura del tema podría ser oferta(independiente, cerrado).
La estructura del tema podría ser formación libre(según tyulin), - construcción. no dividirse en oraciones y no tener conexiones pregunta-respuesta, generalmente desarrollo libre. (Nota, R.K., “Canción oriental”).
En la música polifónica, un tema suele ser una estructura musical corta: un musical frase.
